千百年以来，中国人的文化娱乐生活都和我们中国戏曲密切相关。根据记载，从汉朝开始，中国就有了宫廷歌舞与祭祀巫舞结合的“角抵戏”，流传至今的还有《东海黄公》。到了唐朝，说唱形式进入戏曲，并且民间和宫廷合流，在艺术上有了全面的中国传统特色。戏曲在宋朝进入成熟期，已经初具现在的戏曲表演模式。在元朝，中国戏曲进入高峰期。在后续的京剧的形成中，中国戏曲达到了艺术巅峰。
中国戏曲与希腊悲剧和喜剧、印度梵剧并称为世界三大古老的戏剧。迄今为止，中国的戏曲大概有有三百六十多个种类，各种经典剧目超过一万种。几乎每一个省，都有各自特色的经典戏曲和剧目，同一个剧种，在不同的地域也会有不同的变化和唱腔，甚至一个县都会有好几个剧种流行，同时各具地方特色。可以说，中国戏曲深深扎根于中国这片土壤，是传播中华文化、娱乐大众的重要形式。三国、红楼梦等经典故事通过戏曲向最基层的民众传播；而忠孝、仁义等中国传统品质也是通过戏曲来渗入每一个中国人的心目中。古代中国的文盲率非常高，相对于儒家的学堂教育，中国自古以来的民间教化主要依靠的是戏曲。经过千百年的发展，中国形成了“京剧、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧”五大戏曲剧种为核心的中华戏曲百花苑。在这个百花苑里，还有昆曲、坠子戏、粤剧、淮剧、川剧、秦腔、沪剧、晋剧、汉剧、潮剧、湘剧、花鼓戏等几百个剧种……
然而，进入80年代以来，民间的戏曲氛围开始逐渐减弱，现如今，中国的戏曲大部分进入了需要保护的尴尬境地。改革中国传统戏曲并在民间大力推广戏曲，成为现今中国戏曲非常紧迫的事情。笔者认为，向大众介绍中国戏曲的艺术魅力，让大众了解中国戏曲美在哪里是目前最需要做的工作之一。关于艺术，我们常说”民族的就是世界的”,那么对于展了上千年的中国戏曲，其深厚的文化底蕴和千锤百炼的艺术形式的确值得我们去传承、创新、发扬……
那么中国戏曲的精髓和艺术性主要来自哪里呢？
一、中国表演艺术的综合体
中国戏曲，是一种综合的舞台艺术表演样式，把文学、歌唱、乐器、舞蹈、杂技、服装、化妆等各种艺术通过严格的标准化融合在一起。欣赏的时候，既可以从整体去欣赏，也可以从各个侧面来欣赏，他们在戏曲中都有一个共同体的特点——呈现美。
戏曲
在中国戏曲中，所有的这些艺术形式要高度配合，在标准化的范围内去极致呈现。要做到这些艺术的美感是需要极高的艺术修为的。正所谓台上一分钟、台下十年功，中国戏曲的这种综合性，使得中国戏曲的表现极为凝练，训练也格外苛刻。有些年轻人嫌戏曲表现太慢，这种观念，恐怕主要还是来源于文化上修为不够。要想欣赏中国戏曲，观众也应该对中国传统文化以及传统戏曲文化有一定的了解，不然的话，恐怕真的无法做到欣赏，中国戏曲的各种千锤百炼的艺术形式，就这么稀里糊涂错过了。
二、形式标准化
中国戏曲的一个特点是极力避免随意性，必须做到一板一眼，一腔一调。中国戏曲允许创新，但也必须是在这些严格的标准之内，做到比标准更好或者得到升华才能被喝彩。这种标准化渗透在中国戏曲的每一个方面，大到角色设置，小到描眉长短粗细，都有极为严格的标准。
比如角色的分类，就是生、旦、净、丑，然后每一种角色再去细分。比如生角是男性角色，又分为老生（须生）、小生、武生、娃娃生……“旦”是女性角色，又分为正旦、花旦、闺门旦、武旦、老旦、彩旦（摇旦）。不同的角色，其表现标准也会大有不同，比如丑角的化妆，一般都用小花脸，在鼻梁上抹上一块小白粉，而曹操这样的“净角”，脸上用的就是“二花脸”，白色为主，描眉细长，突出阴险狡诈。
在表演的艺术手段上，严格用“唱、念、做、打”四种形式表演，平时舞台下的训练，也是这四种主要基本功。在表演的时候，观众考究起来，除了对角色的唱念功底做评判，更多的是看演员角色的“手、眼、身、法、步”五种技术是否到位传神。除此外，戏曲的唱腔、后台乐器的效果、脸谱的设计、服饰的美感、布景的精妙，灯光焰火等等，都是中国戏曲艺术的外在标准表现形式，不仅有着统一的标准，也都完全融合在戏曲表演最后的呈现效果之中。
三、高度抽象虚拟化
中国戏曲非常讲究意象，而不讲求实际表现。由于舞台狭小，有时候为了表现宏大的场景和深远的意境，就会对表演进行高度的抽象。为了达到舞台效果，演员和其他工作人员必须通过各种表演手段营造出高山大海、风火雷电等各种效果，比如用长袖狂舞带来风雨交加的环境和离乱不堪的心理感受。这些表现手法一旦观众掌握了解，立刻会产生身临其境的感受。另外，也会通过意象化来处理具体的景象，比如武戏中，通过服饰化妆表现角色的身份，通过插旗的数量表现带兵数量，旗子越多，带兵越多，如果不懂得这些意像化的处理，看到舞台上两个人打斗，根本一头雾水。这种意象化的处理，贯穿中国戏曲的各个方面，比如看到跑龙套，转几圈代表行遍天下，有几人代表百万雄兵，都是高度抽象虚拟的，不了解这些就无法欣赏中国戏曲。观众了解了这些，想象力就会被调动起来，从而获得极高的艺术享受。
